艺术体现和物化着人的一定审美观念、审美趣味与审美理想。下面查字典范文网小编给大家带来关于艺术的论文，欢迎大家阅读。
篇1：关于艺术的论文艺术观念与艺术表现
摘要：在现代主义之后，艺术不再是拥有高超的绘画技能的代名词，西方教育界普遍将其定义成“视觉艺术”，使艺术外延到一切可使用的艺术手段和材料，艺术家充当思想家和科学家的角色得到延续。自从1964年4月安迪沃霍尔在纽约首次举办的雕塑展上展出了他的著名作品“布里洛包装盒”后，在美国著名艺术评论家阿瑟丹托的内心产生巨大的震动，在他的笔下，“布里洛包装盒”跨越时间、历史、地域的界限，成为推动艺术发展史进程的象征物，并发出“艺术终结了”的呼喊。这种观念不断引发人们对艺术的定义及其本质的重新思考，如何平衡艺术品中的观念与技术成为艺术家们开始探索的新课题。
关键词：观念;艺术表现;时代语境;同一性
促使我写这篇论文的原因有两个：一个是笔者发现，在学习油画的过程中学生提问最多的问题就是油画的技法是什么？二是大多数人在看过越来越多的现当代艺术品后都会质疑，看似没有任何技术含量的艺术作品何以有如此成就？带着这些问题我开始查阅资料，从出现在现当代艺术转折点上的艺术品开始研究这个问题。
在过去7年的学院式教育环境成长过程中，我们更多接触到的是19世纪以前，更确切地说是梵高以前的艺术，对于梵高之后知之甚少，学院教育索性很少提及这段历史，学艺术的学生敏感一些的或多或少都能感受到这种空白感。为了在艺术这条路上更好、更稳地走下去，我们不能跨越任何空白，这个空白或许会成为艺术道路上的阻碍。因为20世纪的艺术完全打破了旧有的绘画模式，观念艺术的范围除了绘画还延伸到雕塑、摄影、装置艺术、环境艺术、大地艺术、行为艺术等等。笔者希望可以通过对20世纪部分艺术的研究，解答艺术家是如何平衡艺术品的观念与技术，并达到一定艺术高度的问题。
整个20世纪发生了两次轰动全球的世界大战，一战造成了欧洲势力的衰弱和分裂，美日随之兴起，世界格局发生了巨大的改变，艺术也随之发生变化。20世纪的艺术分为两个阶段，较合理的一种说法是：1960年为分界点，前半段为现代艺术――摄影术的发明促使艺术家开始实验各种观看的方式，尝试新的材料，并注入多种学科的观点;后半段称为后现代艺术，或者是当代艺术的初期――以反对现代主义的信条为基本准则，在这个转折点，艺术发生了翻天覆地的变化。阿瑟c丹托（Arthurc Danto）在看完安迪沃霍尔（AndvWarho1）的“布里洛盒子（Brilo’s Box）”的展览后，发表论文指出这次展览标志着艺术史的终结，这个说法轰动了整个艺术界，也引来了不少的争议，至今仍然是学术界讨论的话题。他说道：“艺术终结了，当我开始写的时候，感到很悲伤，写着写着觉得这是个好事，我意识到这其实是一种解放，解脱了之前的种种历史束缚。这是艺术史上从没有过的事情，可以为所欲为了，再也不能判定什么是艺术什么不是艺术了，我思考的是关于历史、关于艺术史的哲学。”
在阿瑟丹托看来，艺术存在两种观念：其一，把艺术当做认知世界的手段，绘画主要就是描绘出真实客观的相等物;其二，艺术又可被看做是艺术家的主观心理经验的表现，倘若真是这样，艺术就会因人的个别心态而个性化地呈现出来。从这两方面来看，艺术品能更全面地理解形成艺术风格的精神因素及社会因素，这是看懂艺术品必不可少的先决条件。要欣赏一件艺术品，了解这件作品的技术是基本条件，研究它的观念才能算是真正看懂一件作品。观念与技术在艺术品中同样重要，二者的关系相辅相成。
在印象主义之前的艺术是经验艺术，制作技术一脉相承，同一时期的艺术家并不存在技术上的创新，只存在个人风格的差异。印象主义之后转变为观念艺术，然而技术也成了支撑理念的关键所在。技术的创新对观念艺术而言分为两个层次：一是构思想要创作的内容，这个与经验艺术一样。二是如何去体现这个构思，这点与经验艺术截然不同。
作为波普艺术的代表人物，安迪沃霍尔对后世的艺术产生了极大的影响。阅读过《安迪沃霍尔的哲学：波普启示录》的人无不为他那种真诚、自由、语无伦次但异常细腻的独白所震撼，他告知人们消费时代种种人性的可能。他认为思考就会产生错误，只有不断地做事才能获得报酬。生活在消费理念和超市文化浓厚的美国，这种理念在他的内心根深蒂固也变得不难理解了。他对自己作画的过程是这样描述的：盯着画布然后开始构图，大脑进发的某一闪光点就成为既定的构图模式，再看一眼，发现某个角落的空间里需要一点蓝色，于是他就把蓝色放上去，然后看着另一边，也需要一点蓝色，再拿起绿色的画笔画上几笔绿色，退后几步看画面的空间构图是否对味，不对味的地方再加上一点绿色，如果构图适宜，他便不再做改动。
当技术物品本身的功能变得复杂起来的时候，它不仅仅停留在工业时代的物欲满足层面上，进而也包含了一些游戏、个性、情感等因素，于是技术物品成为人们审美观念的呈现物。反之，当构成我们生活世界的技术物品带上艺术的光环时，我们的日常生活便成为审美情感实现的场所。
艺术家通常会在现实生活或自然形态中发现某种可以表达观念的契合点，从而拓展绘画的实体空间。“成长于第三帝国废墟之中的画界诗人”之称的安塞尔姆基弗（AnselmKiefer），他的作品无论是创作手法还是呈现面貌都极其现代，但往往主题晦涩而富含诗意，隐藏着一种饱含痛苦与追索意味的历史感。他在材料上大量使用油彩、稻草、灰烬、虫胶、石头、照片、木刻版画、沙子、柏油甚至是铅铁等金属元素。种种现象都源于他的时代背景，基弗1945年生于德国的多瑙艾兴根，成长于被分裂的德国，所以他想做的不是面对过去，而是忘记战争，这或许跟战后德国不许回顾战争这种普遍的文化状况有关。作为新表现主义画家之一，基弗在他的作品里渗透着对德意志民族精神和浪漫主义传统的重新挖掘。不同质感的材料经他之手创造出复杂的肌理效果，并使画面充满巨大的力量。这种震撼的视觉冲击力结合抽象和具象、幻觉和物质性，并拥有丰富的象征意义。
尽管20世纪的现代艺术极力想摆脱技术化造就的时代语境，苦于技术成为审美功能的阻碍，但现代艺术的发展成就于现代科技的时代语境这一点无可否认。安迪沃霍尔的重复制造和基弗的综合材料，这个时代的艺术家无不通过艺术品深刻诠释着此刻的社会。技术与观念这两种东西从表面上看截然相反，技术的发达或许会造成艺术思想的贫乏，但如果我们深入技术与观念的理解方式层面上，就会发现二者存在着同一性。
作为一名艺术家，毫无疑问应该尽快从传统的技术层面中解放出来，我们不该只注视着眼前的画布，而是应该仰望星空，以一种开放的精神去体验艺术门类之间由边缘的交汇所生成的一个新空间，用以阐述对世界的认识和感知。再回到我们自身，我认为在艺术学院的学生关注的东西不应该只是画种的区别和技术的孤立掌握，而应该是自己的观念的建立和与之紧密相连的技术语言的选择。弗洛伊德认为，艺术是我们被压抑欲望的升华。当我们的欲望受到压抑时就会产生幻想，从幻想回到现实世界的途径，只有艺术之路才可能到达。这正如艺术创作中观念与技术的关系，当我们想去表达所思所想的时候，就需要一种表达的方式，这种方式即观念的具体展现，二者存在着同一性，它们的必然联系是我们切不可忽视的重要环节。
篇2：关于艺术的论文浅析艺术欣赏与艺术批评
摘要：随着社会的发展，艺术逐步进入我们的生活，对于艺术作品如何看待，如何评价，也左右着艺术的发展方向。了解艺术欣赏与艺术批评的内涵、特点、规律和它们之间的相互关系，会有助于提高人们的艺术欣赏水平，推动艺术批评的健康发展，促进艺术创作的更加繁荣。
关键词：艺术欣赏;思维;审美;艺术批评;社会科学;思想;标准
随着社会的发展，艺术越来越多的走进我们的日常生活，人们对于艺术作品如何看待的问题，同样也左右着艺术的发展方向。艺术欣赏与艺术批评是一种以艺术作品为主要研究对象的特殊思维活动。它们是使艺术作品与人们发生联系的桥梁和纽带，也是检验作品社会效果的重要途径。艺术欣赏与艺术批评之间既有联系，也有区别。它们都各有自己的特点和规律。而研究和把握这些特点和规律，会有助于提高人们的艺术欣赏水平，推动艺术批评的健康发展，促进艺术创作的繁荣。
一、艺术欣赏是一种审美活动
艺术欣赏是由于接触艺术作品而产生的一种审美活动，也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。通过对艺术作品的欣赏一方面唤起欣赏者的某些形象或片段的记忆，印证重现了一种生活经验，从而也调动人的审美情绪，获得一种感情上的满足，一种美的享受。另一方面欣赏者通过艺术作品的具体艺术形象，产生联想，对于客观事物有了进一步的认识，很自然地接受作者对生活美的发现和评价，接受了一次艺术美的熏陶。
看一幅画是这样，听一支歌，看一出戏，读一部小说，也无不如此。《论语》里记载着孔子在齐国听了《韶》乐的演奏，“三月不知肉味”。当然，这不免有所夸大，但是优秀的艺术作品有着强烈的感染力却是不容置疑的。艺术，作为人们的精神食粮，人们的思想养料，对人们的影响是多方面的。它首先作用于人们的感情，改变人们的思想面貌，从而影响社会。因此，艺术的社会作用不是立竿见影的，往往需要有一个潜移默化的过程。而这个过程始终离不开艺术欣赏。从这个意义上说，没有艺术的欣赏，便没有艺术的教育作用。艺术欣赏是沟通艺术家与欣赏者之间的思想情感的渠道。一件艺术作品，要是缺乏艺术魅力，不为人们所欣赏、所支持，那么它的存在价值就会落空。毕竟艺术作品更多是一种精神产品，而不是满足物质实际需求的。
作为艺术欣赏，单是要求艺术家适应欣赏者审美要求也是不够的。因为，任何一种艺术欣赏，总是由欣赏主体即欣赏者，与欣赏对象即艺术作品这两个方面所构成的。艺术欣赏所产生的审美成果，是欣赏者与欣赏对象即主客观统一的产物。主观与客观这两个作为艺术欣赏活动的条件，是互相依存，缺一不可的。在作品中那种纯粹的逻辑推理，或政治概念的空洞说教，不可能产生美感，不会为人所欣赏。
艺术欣赏既然是一种认识活动，它也就遵循着人类认识活动的一般规律，也象人类一切认识一样，有一个由浅入深、由表及里，由不全面到全面，即从感性认识到理性认识的过程。同时，这个过程不是只有一次就停止，它总是从感性认识到理性认识，再由理性认识到感性认识，不断循环往复，一次比一次深化，一次比一次得到更多的认识成果。
不过，艺术欣赏这种认识活动是一种相当复杂的思维现象，而且由于欣赏者的思想水平、生活经验和艺术感觉的不同，欣赏活动就因人而异。虽然艺术欣赏是一个有规律可循的、有着不同阶段的认识活动，但是，在具体的欣赏过程中，感性认识和理性认识阶段，又是很难截然划分的。在感性阶段，也常常伴有一定的分析、比较、判断等理性活动;在理性认识阶段，又总是离不开集体、个别的艺术形象，始终伴随着具体生动的艺术形象，这一点同科学中的理性认识阶段是不同的。
二、艺术批评是一门社会科学
从一定的阶级立场、观点出发，对艺术作品做出评价，便是艺术批评，也可以叫做艺术评论。艺术批评是一门与创作并存的社会科学，在艺术作品中，思想和观点融化在艺术形象里面，倾向越隐蔽越好;而艺术批评则相反，通过对作品的剖析研究，对艺术形象的分析，把融化在作品中的思想观点揭示出来，把表现在艺术实践活动中的某些含有本质意义的现象，加以综合和概括，使之上升为带有规律性的理论，从而推动艺术实践的发展。
艺术批评也像艺术创作一样，是一种创造性的精神活动，需要有所发现，有所创造，这样才能对艺术发展有所帮助，对欣赏者有所启发。剖析作品的思想内容和艺术成就，充分揭示其社会意义，及时肯定艺术家的创作经验，指出不足，促使艺术走上正确的轨道，这是艺术批评的一个重要作用。从这个意义上说，没有艺术批评，就不会有真正意义的创作繁荣。
艺术批评通过对艺术品的分析评价，帮助欣赏者认识蕴藏在作品里的深刻思想意义和艺术价值，对于一些极端的作品，也可以通过艺术批评，帮助欣赏者树立正确的欣赏观和识别能力。通过舆论导向使艺术的发展更贴近社会及民族价值观念。
当然，艺术批评也是有一定标准的。任何一个作品都由内容与形式两部分构成，因此，艺术批评也有两个标准，一个是思想意识标准，一个是艺术标准。思想意识标准是衡量作品内容良莠的尺度，艺术标准是测定作品艺术性高低的尺度。
在一个具体作品里，内容与形式，共处在一个统一体之中，它们各自以对方作为自己存在的条件。特别是那些优秀的作品，内容与形式则融为一体，很难完全分割开来。如果硬要把二者分开，既等于取消了内容本身，也等于取消了形式本身。正确的艺术批评，既要注意作品的思想内容，也要考虑它的艺术形式，尤其要从两者的统一上去分析评价作品的艺术成就和思想意义。只强调某一方面，都会导致艺术批评的片面性。片面性的观念否定艺术作品具有的思想性，评价作品时只用艺术标准，过于强调艺术形式的作用，不免会坠入“为艺术而艺术”的泥潭中。狭隘的只看到作品的思想内容，抹杀艺术表现的重要性，把思想标准看成唯一的标准，就往往导致思想等于形式，政治代替艺术，艺术批评变成政治说教，我们要坚持的是内容与形式相统一，思想性与艺术相统一的原则。
在评价作品时，每个人总是自觉不自觉地运用一定自我的思想与艺术标准。当然，阶段不同、时代不同，人们的思想审美意识也在不断发展变化，评价不是一个固定不变的框框，具体情况应该具体分析，不能不顾艺术反映生活的特点，去生硬地套用模式来评价一切种类的艺术作品。
作品的艺术性一般表现在形象内容的塑造上，艺术家是用形象内容来表现自己的思想，形象塑造成功与否，是衡量一个作品艺术性高低的重要标志。具有一定程度的真实性、典型性、完整性、独特性和美感性，也即具有了一定程度的艺术性。一个成功的艺术作品，是各种内在因素的完美结合整体。因此，审视作品的艺术性，应该把几个方面联系起来看，还要注意艺术语言、艺术技巧在作品中的体现与运用，这样，才能较全面、较客观地评价一个作品。
以上所说的一些标准，只是就各种艺术的一些共同性来说的，其实，不同类别的艺术在内容表现，反映生活方面还是有各自独特的表现的。叙事性作品与抒情性作品不同，油画与国画也不同等等，所以在评论各种具体作品时，评价的标准就不能绝对化、教条化，否则就会造成艺术批评的简单化、庸俗化，从而妨碍艺术创作的健康发展。
总之，无论艺术欣赏还是艺术批评，它们都是以作品为对象的，这是二者的共同点。欣赏偏重于感性活动，批评着重于理性分析，这是二者的区别。但这个区别只是相对说的，只有欣赏水平提高了，批评的质量才能提高。反过来，只有对作品进行了具体深入的分析，才更能促进欣赏水平的提高。二者的关系互为基础，又密不可分。
参考文献：
[1]戴碧湘。艺术概论[Z]。文化艺术出版社。1998
[2]陈卫平。影视艺术欣赏与批评[Z]。上海古籍出版社。2003
[3]李家杰。影视艺术鉴赏与批评[Z]。安徽大学出版社。2011
篇3：关于艺术的论文从艺术作品中浅析沂蒙艺术家的家乡情怀
摘 要：情感是艺术家内心深处的的力量源泉，优秀的艺术作品往往不仅仅是在技能上的新颖和出众，而且更重要的是看其是否有感而发。沂蒙山作为老革命根据地，在有着浓郁的红色文化的同时，还具备着优美的风景和浓厚的风土人情。在这里产生了大批书法家、艺术家、军事家、政治家等，他们中有的早已名垂千古，有的正一步步走向世界……优秀的艺术家在这里汲取灵感，红色精神犹如甘甜的乳汁，给予我们无限的资源。身为沂蒙之子，在红色氛围的感召下，我置身与无限的艺术创作之中，将沂蒙老区无限优美风光展现给大家！
关键词：艺术家的家乡情;沂蒙;山水创作
艺术源于生活，所谓艺术情感就是取材于生活，然后进行提炼升华并反映于艺术作品中的一种情感的表达。它是指作家在艺术创作过程中产生的、作为艺术创作动力和表现对象的态度和体验。这种艺术情感被很多作家视为艺术创作的灵魂。如果说艺术是一个创作的过程，那情感因素毫无疑问便是这一过程的催化剂。心有所想，情有所发，艺术作品必然充满灵气。情感因素在艺术过程中占有重要地位，影响着艺术家的创作与发展，而家乡情感在诸多情感因素之中，更加让艺术家着迷与向往，下面从沂蒙山山水角度出发，深刻分析沂蒙艺术家作品之中家乡情怀。
一、艺术情感
（一）情感在艺术创作过程的地位和作用
情感在艺术中占有很重要的地位。情感是艺术的基本特征之一，贯穿艺术活动的始末，可以说艺术作品是艺术家情感的表现，光有娴熟的技法并不能引起观赏者的共鸣。正是艺术作品中充满作者的感情，才能使雨果第一次看到维纳斯雕像，浑身颤抖，泪雨纵横，使唐太宗得《兰亭序》，夙夜披览，珍爱之至，临死不忘随葬;使孔子闻韶乐，长叹“不图为乐之至于斯也”，三月不知肉味。
情感对艺术创作有促进作用。艺术家在现实生活中由于某个人或事或景的触动，使得内心产生了波动，必须通过艺术作品宣泄出内心的情感波澜，这就产生了艺术作品。不管是寄情于景，还是借景抒情，只有动情才能创作。情感的丰富性是蕴孕艺术灵感的前提，自然万物是美的，但美的发现需要审美者具备情感的丰富性。情感的倾注激发强烈的创作欲望人们对大自然美的感受、认知的过程，就是对自然的审美鉴赏过程。情感的审美主观性深化艺术构思的成熟过程优秀的文艺作品都是对现实生活的反映。
（二）剖析艺术家在艺术作品中的情感流露
纵观艺术长河中的绘画艺术作品，不由得使我们对艺术的多样化而叹为观止，虽然它们风格迥异，形式不同，但它们在世界艺林中同样闪耀着灿烂的光芒，他们之所以成为艺术画库中的瑰宝，是由于他们自身独特的表现风格和独具特质的艺术情感所至，是作品内在的感情和强烈的感染力所至。
王沂东是当今中国最具实力的油画艺术家之一。他游刃有余地将西方古典油画的精湛技法与中国民族文化的审美意蕴融于一体，成功地再现了自己独特的艺术风格。他的作品笔法精细严谨、造型线条分明、形体结构准确并擅长表现人物丰富复杂的内心世界及自身深切的情感，以古朴凝重而又俏丽灵动的艺术魅力扣人心弦。他出生于民风纯朴、山川如画的鲁南乡村，即沂蒙山区。故乡的山水赋予了他具有浓郁的乡土气息和深刻精神内涵的艺术气质。他的作品深情地辉映着他所深深眷恋的那片热土。
二、蒙山情怀
（一）琅琊名士的蒙山情
上面所说的是通过油画的表现形式描绘沂蒙家乡的杰出艺术家，那么下面所提到的，既用国画山水的形式描绘沂蒙山水的优秀艺术家，赵启竣老师。
从赵老师一系列的艺术作品来看，画家虽无所不能画，但是有着深厚文化沉积和良好发展传统的沂蒙山一直是他创作的主题。黄宾虹说过。“优秀的画家往往写他的家乡山水，因而形成自己独到的风格和技巧”。有人让徐悲鸿先生画荷花，他说需要二十刀纸再画。在我们研究传统绘画时，发现前人有些作品地方色彩很强烈。范宽画的是雄壮的华山;倪云林多画太湖风景;石涛写无锡、黄山一带山川风光……这些在绘画史上著名的画家，无论在创作意境上、构图和技巧上都有其独特性。一个画家，只要不脱离生活实践，不因袭前人和他人的作品，总会有自己的独立面目。正如我所敬佩的赵老师，沂蒙山便是他独到的形式表现。
（二）通过具体作品深刻分析赵启竣老师笔下的沂蒙山
赵老师长期执意于北方山水美感、形态与内涵的开拓，致力于以熟练的笔法传达蒙山大美的内涵，《蒙山老屋子》、《沂蒙山小调诞生处》、《蒙山人家》等精品，不仅是其高妙画风的生动展示，也是其热情豁达豪放干练性情的自然流露及高品格深修养的人格魅力展现，以及以扎实的绘画功底从而让秀美的家乡山水再一次真实在现和完美构造，赵启竣先生作品那饱满和谐的构图，轻轻自然的笔墨，崇高深厚的造型，豪放旷远的意境，表现了齐鲁文化的厚积深沉，展示出大中国、新沂蒙更新更博大的气象，热情讴歌了开拓奋进的新沂蒙精神，给人们无穷无尽的审美愉悦，让人们领受到从未有过的启迪，将观众纳入一种宁静清新的高妙深远的艺术境界。
参考文献：
[1]张同道。艺术理论教程。北京师范大学出版社，2011年版
[2]科林伍德。艺术原理。中国社会科学院出版社，1985年版
[3]苏珊朗格。情感与形式。南京出版社，2009年版
篇4：关于艺术的论文浅析影视艺术中的服饰艺术
摘要：影视服装用其特殊的语言来诠释影片，给观众展现不同时代、不同文化背景下精彩纷呈的服饰艺术。影视服装，其宗旨是为影片服务的，它同时又具备日常服装的属性。影视服装以其特殊的艺术魅力来反映影视作品的社会环境、文化、政治背景和人物的身份地位、心情等。让观众进行视觉享受的同时，体会影视作品的内涵，引发思考。在设计影视服装的时候，要考虑到影视作品所要展现的时代，人物的身份地位，社会背景，政治因素以及地域差别等。
[关键词] 影视服装;服饰色彩;视觉冲击;服饰造型;影响力
影视服装有其特殊性，它可以表现出社会环境、文化，政治背景和人物的身份地位、心情等。服装对影视的艺术表现非常重要，可以通过服饰的色彩、款式来展现影视的艺术内涵，反映不同的时代，不同的文化特征，让观众享受视觉盛宴。
服饰色彩，震撼视觉的冲击力
人对色彩有本能的感觉，红色和橘色给人温暖的感觉，蓝色和紫色给人清冷和宁静的感觉。不同的时代，不同的社会，不同的信仰，不同的地域都影响着人们的色彩喜好。每个人对于色彩的感受是不同的，不同的色彩对人的感官刺激，会令人产生不同的心理感受。
（一）服饰色彩刻画人物性格，表达人物内心世界
影片《满城尽带黄金甲》中，王后穿着黑地绣金花的睡袍绣金色菊花的时候，黑地睡袍表现出王后阴郁的性格特点，金色的菊花表现出王后内心涌动着巨大的阴谋。《红磨坊》中，舞女和画家共进晚餐，礼服裙夸张的黄色和蓝色的披肩与周围那些穿着优雅的晚礼服进餐的女士相比都表现了舞女的爱慕虚荣和轻浮。同时，把她的自卑和不安刻画得入木三分。影片《简爱》中，简爱总是穿着深色的套装或长裙，表现出她的忧郁和冷静，这和她在孤儿院的生活经历有关。但当她和庄园主人罗切斯特恋爱时，穿了一袭蓝地碎花长裙，一改往日的忧郁和沉闷，显示出少女的浪漫情怀。但在色调上还是偏冷色，符合简爱的性格特点，遵循了她的生活经历。
（二）服饰色彩对影视氛围的烘托
影片《英雄》中有一个场景，骑着黑马穿着黑色铠甲的武士，白底黑龙的旗帜，黑压压一片，铺天盖地而来，让观众感到死亡的来临。在围攻赵国的场景中，一边是骑着黑马穿着黑色铠甲的武士，举着白底黑龙的旗帜，一边是骑着黑马穿着黑色铠甲的武士，举着鲜红的旗帜。高举旗帜，口中呐喊“大风”，这壮大的场面中，鲜红的旗帜让人感觉到血腥、杀戮，黑白的旗帜让人感到死亡和恐惧。无名的黑衣，秦王和丞相大臣的黑袍大袖，同样让人感到博大，压抑，神秘和死亡。赵国书馆中赵国人的红袍大袖，在红色强烈的视觉冲击中，红与黑的鲜明对比，让人感到了危险的来临和血腥的杀戮。在残剑和飞雪的绿色衣袍中，感受到了爱情的浪漫和对生命自由的渴望。在两人的白色衣袍中看到了爱情的纯洁和生命即将终结的无奈。这些服饰的色彩在不同场景中的运用，在冲击观众视觉的同时，震撼着人们的心灵，同时对影片的故事情节的内涵做了精彩的诠释。
（三）服饰色彩是时代和身份的象征
在表现历史的影视剧中，服饰色彩就是时代和身份地位的象征。像《秦颂》《鸿门宴》《秦始皇》这些影视剧中，秦始皇和丞相等重要官员全是黑色的服饰，御林军也着黑色铠甲，秦朝崇尚黑色，这有相关史料记载，秦始皇规定的大礼服是上衣下裳同为黑色祭服，并规定衣色以黑为最上（周文王火德，色尚赤，因秦始皇十分迷信阴阳五行之说，所以认为是秦的水灭掉了周的火。而黑色主水，固尚黑），黑色成为秦代的尊贵色。又规定，三品以上的官员着绿袍，一般庶人着白袍，所以从袍的颜色上可以看出人的身份等级。到了唐朝，男服上品为紫色，皇帝贵为天子服用黄色，这时规定了只有皇帝才能用赭黄，从此，黄色成为帝王的象征，臣民不能服用。《满城尽带黄金甲》中，大王和王后极尽奢华的金黄色礼服、金黄色的王冠和金黄色头饰尽显王族的尊贵和威严。
张艺谋的影片《活着》中20世纪60年代人们穿的灰色军便服，蓝色军便服，绿色军便服，红袖箍，那一片蓝，那一片绿，都表现了时代的特殊性，这些服饰的颜色都表现了一个时代人们对色彩的偏好，甚至是阶级的代表。
影视服装的影响力
在影视作品中，影视服装塑造不同的人物形象，影视服装展现影视作品不同的时代背景，不同的文化底蕴。影视服装对社会也有着一定的影响力，演员的服饰，发型等影响着现代人的审美情趣。
（一）服饰造型塑造人物形象，表达情感
影片《我的父亲母亲》中母亲的大襟棉袄塑造了农村少女的典型形象。开始穿的粉色碎花棉袄，展现了娇羞、青春可人的少女形象。后来母亲穿着大红色的棉袄在山野里奔跑，表现了热恋中的母亲对爱情的热烈和执著。再后来母亲穿的青灰色棉袄，塑造了母亲老年的农村妇女形象，表达了失去父亲的哀伤。
电影《月牙儿》中，月容的母亲为了养活女儿，瞒着女儿去做了暗娼，被女儿发现时，母亲穿着绸布短旗袍，绣花鞋，凌乱的发鬓插着朵白花，嘴唇涂得鲜红，表现出沦落风尘中的妇女形象，白花表现了母亲绝望的心情。母亲生病后，在破旧的屋子里又穿着补丁摞补丁的粗布衣服，蓬乱的头发，食不果腹，反映了旧社会体制下，民不聊生的苦难。这些影视剧中的服饰造型成功地塑造了各种人物形象，在品味故事情节的同时，感受到了服饰造型的艺术魅力。
（二）服饰造型烘托气氛，推动剧情
前苏联影片《办公室的故事》女主角出场，黑框眼镜，灰色调男性化H型大衣，短短的剪发一丝不苟，不化妆的脸，苍白的嘴唇，脱掉大衣后H型的黑色套装，严谨的工作作风，举手投足间都展现了女局长的冷硬，让人感到压抑。再看女秘书的出场，时髦的套裙，当时最流行的毛背心，高跟长靴，时尚靓丽，愉快轻松，充满了生活的激情，让人眼前一亮。办公桌前，所有的女性都穿着精致的、时髦的、符合个性的漂亮衣裙，开始精心地，细致地化妆，一成不变的，仿佛是一种仪式，美好的一天开始了。和这种轻松愉悦的氛围相比，女局长衣着总是一成不变的灰黑色，不化妆的脸，严肃的表情，冷冰冰、硬邦邦的性格。长此以往，一天又一天，直到新同事的到来，成为剧情的转折点。
随着剧情的发展，到新同事家聚会，女性们是花尽心思借机展示一番，争奇斗艳。女局长还是以严谨的套装出场了，但是换了橘色的衬衫，虽然与气氛格格不入，让人生畏，但那一点橘色却表现了女局长外表冰冷、内里火热的内心世界。其实她渴望与人交流，渴望多姿多彩的生活。
剧情推进，女局长向女秘书学习如何装扮，她穿着长长的花裙子请男主角吃饭，她表现得局促不安，特意为他打扮，因为她恋爱了。女局长焕然一新，格子连衣裙，新烫的发型，漂亮的耳环，精致的化妆，同事哗然。然而误会的产生，女局长又回到了原来的装扮，一切又变得灰暗了，最后误会消除，完美结局。这部作品仅用几套服饰造型就完成了女主角的形象改变，从低潮时期的灰黑套装到高潮时期的格子连衣裙把女主角的人物形象拿捏得非常准确，把女主角的内心世界表现得淋漓尽致。这不能不说明服饰的特殊魅力。
（三）影视服装体现时代、政治和文化
影片《活着》讲述的是40年代到60年代的人在不同的时代背景、政治背景和文化背景下的生活。开篇从40年代起，福贵少爷在赌场一身白绸长马褂，外罩黑缎马甲，一个纨绔子弟少爷羔子。这身装扮是那个时期带有清朝遗风的典型富家公子哥打扮。赌得倾家荡产后，灰布大襟棉袄，黑色免裆裤，瓜皮小帽，手插在袖筒里，蹲在墙根下，那个时代穷苦大众的打扮。打起仗来，被gmd抓了壮丁，穿着黄军装，跟着部队到处跑，最后被解放军俘虏，又穿着灰色的解放军军装。新中国成立后，回到家又穿回土布衣褂，大襟袄。到了60年代，大炼钢铁、“文化大革命”等各种政治运动的开展，灰色、绿色的军帽，灰色军便服，①绿军装，红袖箍是那个时期的人民的主要穿着。那时候，人们的着装可以用万里江山一片蓝，万里江山一片绿，万里江山一片灰来形容。同一款式，不同颜色，不同阶级，压抑了人的个性。蓝色的工人阶级，举行的绿色婚礼，②是那个特殊年代特殊文化的象征。《活着》用不同时代的典型的具有代表性的服装款式解读了不同时代的政治、经济、文化和人的精神世界。
影片《花样年华》中的旗袍再现了19世纪30年代中华民族的着装盛况。30年代，旗袍盛行，旗袍的修长合体符合了东方女性的典雅线条，赋予女性婀娜神韵。《花样年华》展现了那个年代的着装特征，旗袍是女性特殊的符号，张曼玉的旗袍或朴素或奢华，反映那个时代的政治、经济和文化。民国初期，满汉融合，时髦女性反对封建，追求平等，与洋人通商，奉行洋务，经济的繁荣，国门的开放，这时融入了现代技术的、展现东方女性婀娜神韵的改良旗袍成为当时典型的服饰，创造了女性着装史的辉煌。
（四）影视服装对观众审美意识的影响
《庐山恋》的上映，正值改革开放初期，人们对美的追求和渴望，使得许多女性争相模仿女主角的服饰。日本电视剧《血疑》的播出，又使得大街上充斥着“幸子衫”“大岛茂风衣”“日本学生服”。如果说那是刚改革开放，人们饥不择食的表现。那么，现在这个时尚社会里，在讲求个性的年代，影视剧中的服饰造型仍影响着现代人的审美情趣。随着韩剧的热播，男女主角的服装、发型、首饰、背包甚至化妆都是现在时髦男女的效仿对象。这些服饰带来商机无限，也给服装行业创造了巨大的经济价值。
影视服装，其宗旨是为影片服务，同时又具备日常服装的属性。在设计影视服装的时候，要考虑到影视作品所要展现的时代，人物的身份地位、社会背景、政治因素以及地域差别等。这样的影视服装才是成功的，才能给人物正确的定位，才能给观众真实感，使观众产生共鸣。
注释：
① 军便服：类似中山装，中山装是明贴袋，而军便服是四个带袋盖的挖口袋。五六十年代老百姓的穿着打扮。五十年代，部分女性中也流行列宁装，列宁装为大翻领、单（双）排扣、斜插袋，腰间束带。
② 绿色婚礼：指在“文化大革命”那个特殊的时代，特殊的政治文化背景下，年轻人举行婚礼都穿绿色的军便服，胸戴大红花，手拿毛主席语录，站在毛主席像前，向毛主席像鞠躬，然后拿个道具航船和亲人合影，代表毛主席指引我们前进的方向。
[参考文献]
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