分析歌曲演唱中应注意到的问题 分析歌曲演唱中应注意到的问题
：艺术试论 美的追求与人的解放 我对美学方法、学科定位及审美价
分析歌曲演唱中应注意到的问题要将一首歌曲表演得完整流畅,体现出词曲作者的创作意境和情感,不仅仅需要歌者将音符和文字如实地表现出来,更需要歌者在表演过程中进行再创作,加入自己的情感和对歌曲的理解,同时也要注意应用一些演唱的技巧,也要避免出现一些常见的问题。笔者就这两方面进行了研究。
一、对歌曲进行再创作过程中需要注意以下问题
1.理解歌曲作品的内涵。所谓内涵,主要是指作品的内在含义即思想感情。对歌曲作品内涵的理解是演唱的基础。一首歌曲或长或短,都凝聚着作曲家的强烈感情,作曲家的深情厚意蕴藏在每个音符之中,歌唱者需要认真地去发掘和领会。对作品的理解越深,感受越深,在演唱时的表达则越纯真,越完美。对作品内涵有无深刻的理解,结果是大不一样的,因为只有在理解作品的基础上,才可能做到真情的表达。
2.尽量去启发音乐的想象力。如果把一首歌曲的基本情绪和意境设想的很具体,那么你在表达时就会很真实和生动。想象和意境会很快帮助你确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公的形象来,歌曲的主人公形象完整、统一了,歌曲的主题思想也就明确了,这样就会达到情真意切。做为歌者,应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音,去感受生活,从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力,从而更深刻地理解作品的内涵。
3.恰当把握歌曲作品的风格。歌者应该很好地在歌唱前对作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格等进行细致的分析和了解,从而恰如其分地用自己的歌唱技巧来表达作品的风格。当然与其它姐妹艺术相比,音乐的风格具有更多的抽象性。音乐是无形的时间艺术,而绘画、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术,因而他们的风格往往比音乐更容易一目了然。所以一个歌唱者文学修养的深浅,会直接影响他对作品的理解和风格的把握。高层次的歌唱家能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来,能把音乐的全部涵义诠释成声音,让听者闻之动情。
4.演唱时歌曲韵味的体现会给作品的再创作注入新的生命力。演唱的再创作是一个复杂的劳动过程,它对演唱者的要求也是多方面的。好的演唱者不仅要准确地领会和传达歌曲的艺术意境,同时要通过自己的再创造,挖掘歌曲里潜在的、可能是词曲作者家没有想到的东西,这样演唱出来的歌曲就有自己的性格标签在里面了。
5.演唱时对歌曲进行艺术的处理至关重要。有了对歌曲的真情实感后,应该对歌曲处理有一个全面的总体设想,包括整个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等等问题。当然这些设想不是盲目的或是随心所欲的,歌曲的结构、曲风、调式、旋律的起伏发展,可以指引歌者内在情绪的走向,如一首歌的叙述性和歌唱性的区别,一首歌曲中强弱、轻重的变化,其中关键的是要找到歌曲的高点和低点。一般来说要突出高点,一定要把低点放低,一定要有铺垫的过程,否则单一的强调或单一的平叙是无法体现艺术效果的。找到整个作品的高潮所在,这时就能投入对应的情感,才能完整地体现词曲作者的创作意图。
6.技术与艺术相辅相成不可分割。技术与艺术,即表演时的声与情。歌唱的人声是以人身的整体作为乐器从事歌唱的,绝非只靠嗓子、气息或共鸣就能单独完成的,歌唱是全身心都参与的一种表演艺术,不仅全部身体都要参加,而且包括你的灵魂。只有声情并茂,技艺结合,才能使歌唱达到感人的境界,产生沁人肺腑的艺术成果。
二、表现歌唱技巧时应注意的问题
1.发声是歌者能够进行表演的基础。人们一般把发声理解为喉头与舌头的位置和嗓音的特征。许多歌唱者都有一种不好的习惯,就是发出喉音或过于靠后的声音。即使体质强壮、最结实的发声器官也经受不住这种方式。这就是许多演员很快就离开舞台或者被迫安于默默无闻的地位的原因。为了要求得正确的、固定的发声方法,必须设法有意识地把咽部打开。不要以为把嘴张得很大就等于打开了咽部。只要稍微懂得一点发音常识的人都知道,单靠呼吸就能打开咽部,不必明显地把嘴张开。但是要正确地打开咽部,必须很自然地张开嘴和放下下巴。当然,在唱高音时必须把嘴张得大一些。但一般说来,应当保持近似微笑的形状。经常在镜子前练习打开咽部,并且设法看到小舌,就如同让医生检查喉咙时那样,是有好处的。
2.应给予发声一定的支撑。声音发出以后,必须给予应有的支点,这就必须掌握呼吸的技巧。首先要把气吸满,如果发声时肺部只有一半的气,那声音很快就会失去支撑,也就失去了力度,同时可能会有音失准的危险。声乐的全部艺术就在于善于吸足气和善于正确而节省地使用这些气。歌唱者无论有多么好的听觉和愿望,如果他不会控制气息,那他就唱不准音,或是发出毫无生气声音。用鼻子呼吸可以改进深呼吸的技巧;也可以防止过快地消耗吸进的气。此外,鼻子可以过滤空气和使空气变暖,这就比用嘴呼吸更有益了。呼吸的练习时都必须注意这一点:肺部在吐气时要尽可能把余气放出来,因为这样可以推动重新吸气,并使肌肉结实。所以,当懂得了什么是呼吸的艺术之后,就踏上了走向音乐表演的正确道路。
3.掌握声音共鸣的方法。人体共有三个共鸣区,即头部、后脑及肩颈为第一个共鸣区;前额、鼻腔及上颚为第二个共鸣区;胸腔则是第三个共鸣区。第一个共鸣区肩负着调整音域的作用。高音在脑后部及顶部,中音在脑后枕部,低音则在额头及肩部。第二共鸣区是由眉、鼻、腭、齿几个共鸣点串联起来形成的。第三共鸣区是最重要的共鸣区,是发音的基础。利用第三共鸣区发出的声音被称为基础音。演唱时要先掌握声音的中心,然后以该中心为发生点,使气息在第三共鸣区内扩散膨胀,逐渐将气息推向背部及腰部,同时进入第二共鸣区。这需要演唱者长期大量的练习才能实现。
4.克服半音唱法中的缺点。半声唱法的概念大致可以这样来说明:只用很少的自然嗓音,但有气息的支持。有了正确的气息支点才会使声音具有优美的质量。因此。半声唱法就像是饱满嗓音的集中。半声唱法所需耗费的气息和饱满的嗓音所需的一样多。没有气息支持的音总是微弱无力的。它传不远,甚至在近距离内也听不见。相反,如果最轻的声音有很深的气息的支持,它就能传得很远,声音动听而且有表现力。
5.培养乐感才能使作品充满生机。乐感是音乐的灵魂,也可以称之为音乐感染力,在歌唱艺术中比音色与技巧更重要。当然,歌唱是这三者的结合,缺一不可。音色动人的歌唱者让人欣赏到音乐的美感,技巧高超的歌者让人钦佩,而乐感浓厚的歌者则让听者动情。乐感的体现是多方面的。一名乐感强的歌唱者能够把缠绵悱恻唱得催人泪下,把幽默诙谐唱得让人喜而忘忧,把深沉恬静唱得如梦如幻,把慷慨激昂唱得荡气回肠……乐感属于后天因素,必须经过针对性的学习才能获得。如果说乐感是歌者对歌词理解的能力,或者对作品忘情投入的程度,就都有些片面了。乐感应从主观和客观两个方面来解释。主观上的音乐感染力,应该是对听者的感染力,是吸引听众的精神力量。而客观上的音乐感染力,则是作品词曲的相辅相成,形成优秀的音乐作品,使听众在曲调和歌词方面都收到感染。
如果一名歌者能够在对音乐作品的再创作过程中既能表现出自己高超的技巧,同时又能恰当地投入自己对作品的理解,那么一定能将一首歌曲的声音、文字、内涵、精神准确地传达给听众。
