常听到有人在看画时赞叹：画得真好!像照的一样!这话透着人民大众的质朴气息，算是一种赞扬，也代表了一些人的欣赏习惯和水平。如果这种话放在美术圈里说，不算骂人也是贬人。要知道，近百年来东西方艺术家都在忙着标新立异，谁都不愿意做自然的复印机。再说了，画家们都觉得自己比摄影家更有文化的尊严感。既然有人欣赏像照的一样好!的东西，那为什么还要画呢?用相机拍摄不是更简便、更真实吗?这个简单的问题让美术界纠结了一百多年，至今没有一个头绪。
绘画与摄影都是用视觉形象在平面上传达信息的艺术方式，绘画发展历史悠久，人类没有创造文字前就学会了涂画，甚至涂出了一些让后世望尘莫及的作品。绘画有欣赏价值，但同时还有记录历史、歌颂历史和传播历史的功用。仅从记录的功能上看，摄影术诞生之前，绘画是独一无二的平面形象记录者，没有谁能动摇它的地位。然而，摄影术诞生后，绘画原先所具有的优越性和功能就被挑战了，让许多画家陷入惶恐状态。
1839 年法国科学院宣布了摄影术诞生，这个殊荣落在了一个叫让达盖尔的舞美设计师头上。其实，早在十七、十八世纪，西方画家为了获取客观物像精准的造型和透视关系，常用一种叫暗箱的东西，通过暗箱上的一个针孔，利用光学原理把影像折射在暗箱的玻璃上进行描画。后来，有人尝试着用银版显影的办法把暗箱折射来的影像固定住，让达盖尔就是这群人中最出色的集大成者。
摄影术诞生不久，欧洲古典主义绘画的最后一位大师安格尔就愤愤不安了，他不屑摄影所呈现的黑白影像，针对当时法国政府把摄影当作艺术一事坚决地抗议，他说：艺术作品产生于智慧以及对艺术的学习，照相永远无法与之相比。西方人在绘画上恪守造型的技术准则，也就是写实的技术手段，而摄影术的诞生恰恰挑战了西方人在绘画上的造型技术准则，西方人苦苦磨炼的绘画技能却被照相机轻而易举取代了，画家们产生畏惧与惶恐是难免的。
面对这种惶恐，与安格尔同时代的浪漫主义画家德拉克罗瓦却不那么悲观，这位 32 岁就创作出《自由引导人民》作品的画家坦然说出了摄影的好处：我热情地、不知疲倦地观看这些裸体人物照片，我观看它们时所学到的东西，远远超过涂鸦者创新所教给我的。同时，对那些依样描摹的画家毫不客气地批评道：他们不把照片作为参考，而是作为自己的语言。为了画得像，他们想在绘画中不花太大的力气，在一开始就用纯粹机械的办法取得效果。他们愈模仿银版照片，就愈暴露出他们没有能力，他们所有的作品不过是一种冷冰冰的翻版。简单地说，他们变成了依靠另一种机器的机器。
他的艺术观念影响了后来的印象派画家，推动了绘画在现实主义题材和表现方法上的进步。那些比他年轻的画家们走进大自然，使用粗犷的笔触、厚厚的颜色涂抹画布，在表现光的真实性和丰富性上取得了前所未有的成就。他们是因为摄影的出现而选择这样的绘画方向吗?我无从下一个准确的判断，至少有一定的关系。从二十世纪开始，在反传统的思潮中，绘画进入了一个变革的爆发期，立体派、野兽派、达达主义、波普艺术等等形式交替出现，以抛弃视觉的真实为己任，西方绘画与摄影走向了两个不同的方向。
中国绘画从一千多年前就明确了自己的方向，没有走西方那种追求视觉真实的道路，而是走了一条寻找心灵真实的浪漫之路，取客观之境写胸中之意，在技术上注重来源于汉字书法线的运用。二十世纪初，西方写实油画大规模传入中国时，引起的波澜要比摄影大得多，甚至后来有一时期中国画被怀疑是否有存在的价值。然而，当西方人在当代艺术思潮中碰撞了一百年后，一些人似乎找到了一种体现情感、重技巧、寻境界的艺术创作法宝，苦苦钻研进去，才猛然发现早在一千多年前中国人就已经做得很成熟了，于是，有人发出了中国人最愿意听的声音：真正的艺术在东方!
