平淡的设计界太需要一些事件来引起轰动了，或者哪怕只是一些作品也好。于是，viction：ary出版了一本书《Making a Splash》。囊括了一些对设计界有冲击的创作，以及先锋的设计技法和足以令人咂舌的新设计流派。托马斯・罗伯森（Thomas Robson）的碰撞艺术；桑图・穆斯托宁（Santtu Mustonen）那些前所未见的设计；川上俊（Shun Kawakami）的当代设计水墨……设计师也好，艺术家也罢，他们的创作只是想为这个平淡的设计界增添一丝生气，让自己天马行空的灵感能有个更好的归宿。
托马斯・罗伯森：碰撞艺术
“现代和经典之间的生存游戏至今仍是我最钟爱的”。托马斯・罗伯森（Thomas Robson）的作品探索的是将抽象拼贴画和挪用艺术技法相结合而展现出的强大魔力，他将“传统”的美术图画与形式和色彩的动态碰撞相结合。这种技法能产生新的短暂图像，既神秘又容易理解，并将对原始图片剩余部分的联想和种种视觉冲击有力地联系起来。在不断加强放大的混合审美驱使下，强大而富有创造性的流动状态与托马斯想要的效果脉脉相通，而且用他的话说，“在墙上展现看起来极好”。
托马斯原本是一名电视平面设计师，在创作过程中，他对制造出过度编辑和创造的视觉语言感到越发不安。“我当前的作品正是对我职业背景的一种直接的、富有创造力的反应。”托马斯说：“这种不安让我开始进行实验，制图过程中将各种各样的元素融合在一起，多层面、重新探讨在我们这个视觉极大丰富的世界中作品的本质。”
物质匮乏的年代，视觉也很贫瘠，但是如今每一天，我们都在消费着日益眼花缭乱的视觉文化。视觉，如今变成一个拥挤不堪、日新月异的领域，并越来越多地被互联网、电视、广告、游戏、电影、社交媒体等所主导。这种过度传达、混合和重建语境的图像，如大杂烩一样强有力地促使着托马斯在已有的基础上对形式和色彩进行新的组合尝试。通过拼接艺术图像，将其同3D透视图和扫描图片相结合，用不同元素混合创造作品，托马斯尝试打破限制性的文化外壳，即如何从传统角度“解读”此类艺术作品。托马斯称其为“碰撞艺术”。虽尚在发展初期，但是在托马斯看来，这一创作实验已经开始制作出了越来越有趣、越来越具有审美共鸣效应的图片。
激发临界反应，是托马斯惯用的方法。也许有人会说，五岁大的孩子都能做这个。当然也有人会说：这种冲突能集中在一件作品实属罕见。往往，我们在分离中找寻统一，在混乱中找寻和谐。通过这些图片的矛盾，罗伯森（Robson）向我们的诠释技术发出了真正的挑战。
托马斯的工作领域主要是数字媒体，他需要颠覆在日常工作中使用的工具。“这样做的一个好处就是我可以利用视觉实验的加速发展，使我的手工绘画充满视觉效果。”托马斯说：“接下来我会将更多的模拟元素纳入到我的作品中，使其产生新的效果。”创作混合图片就是尝试重新划定艺术和平面设计之间原本的人为界限，同时面对人们的价值评判和从众心态。毕竟，与传统手工创作相比，这些数字制图总是会先入为主地被误认为“低人一等”。
托马斯最主要的动机依然是对探索制图新效果的渴求，“那是我们这个媒体驱动文化背景下发出的不和谐之音。我希望我的创新过程是一次美妙旅程。实际上，我已经制作出了真正令人兴奋的图片，视觉清晰度不断提高，越来越具有审美共鸣。”
桑图・穆斯托宁：一些前所未见的设计
对于在抽象中寻找激情的人来说，一切就像在讲故事。设计师和艺术家创造出的视觉表述为的是纠正人们头脑中的细微错误，因此人们一直保持着抽象的复杂性和不真实性。在实际操作中，这意味着人们可能会用绘画来表现痛苦，亦或通过图像处理软件堆砌出不同层次毫无意义的东西，但绝非随意为之。因为，在人们的头脑中，有十分清晰的要表达的故事。这种表现出来的混乱，却是有意而为的。
设计师们清楚地知道自己的目的是什么，当然，在大到目的的过程中，也要允许他们偶尔迷失方向。正是有了过程中的徘徊，一些意外事件才会出其不意地影响最终的走向。正是在这些探索发现的过程中，而不是在漫无目的地追寻终点的过程中，作品沉积出了一种特别的能量。过程成为了目的，而关于过程的故事只是浅显地得以记录下来。
过去几年里，桑图・穆斯托宁（Santtu Mustonen）用了大量时间去研究各种意想不到的情况，从不完美入手。大多数的时候，搞得一塌糊涂，用不同的材料实验，经常事后反省自己的做法。有时第二次尝试比第一次尝试的意想不到的效果要更好。桑图明显已经痴迷于这种做法，也很可能会一直持续下去。正如桑图的朋友乔希・科克伦（Josh Cochran）所说“只要那辆火车会出发，就乘坐它吧。” 人们需要“一些前所未见的东西”――各种各样的，实验性的、破坏性的、丰富多彩的、抽象的、象征性的、流行的、可触知的、绘画的、幽默的、标志性的、高性能的、浅薄的、轻松的、生动的、巧妙的、时尚的、表达性的、虚无缥缈的、流动的、爆炸性的、性感的等等，无穷无尽。当谈到发光屏幕保护程序的时候，人们便滔滔不绝、激情澎湃、畅所欲言。
曾经幻想那些与一些运动相关联的，如：性解放、环保主义、政治和宗教自由。如今，对于这些“运动”，人们都记住了些什么？希望不仅仅只是出售的那些T恤衫。当桑图沿街而行，为一次展览思考着一件新作品时，映入眼帘的是：一只狗在风中撒尿、人行道上洒落的柏油、一个弹簧床的接线框。很轻松，就像一幅涂鸦。施工地上有一面新的胶合板，挡住行车道。“这是很棒的画面。圆形电锯在建筑地基深处留下一个大洞，露出基层污秽的泥土。多么漂亮的横切面。”桑图说：“在一家波兰杂货店，浓稠的果汁从纸盒下的洞里溢出来。无人在旁，这个场景是一个真正的财富。这一天要结束的时候，我唯一能想到就是果汁喷流、横向切割、狗狗撒尿。在我头脑中的幻灯片展览中又添加了新的内容。”
川上俊：设计水墨
日本艺术设计师川上俊（Shun Kawakami）对水墨颇有研究。“墨水拥有流动的力量，这是我们在作品中一直尝试展现的一个核心元素。我们的设计方法总是与艺术相伴。书法是一种不受时间限制的艺术形式，这一点不言自明。”川上俊说。
尽管水墨在日本设计界同样拥有巨大的影响力，川上俊带领他的ARTLESS公司仍倾向关注水墨在当代背景下的无数可能性。他坦言：“影响我至深的时代是安土桃山时代。像狩野画派长谷川这样的艺术家给予了我巨大的灵感。作为一名设计师，在世界各地工作，进行有趣的多语言设计的同时，也遇到了各种各样的挑战。东西方表达形式之间的碰撞和兼容并蓄形成培养了我的特点，通过作品我将其表达出来。”
英国作家和哲学艾伦・瓦兹曾经说过禅宗艺术是“淳朴的艺术，情理之中意料之外的艺术”。对于川上俊来说字体精准、态势自发的笔触与栅格系统的结合为其提供了源源不断的灵感。每一条线都有其存在的意义。线条的开始、走向和停止，共同形成了所有运用元素之间的平衡，即便是其间的空白也充满了意义。每个线条和笔画的效果都是不可预期的，其中的动感让川上俊的水墨设计过程变得更加有趣。这些不规则的设计得到了高度赞扬和欣赏，也一直是ARTLESS设计的基础。
然而，和谐优美的线条不仅仅具有审美方面的乐趣，还传递着力量和细腻，表现力和极简主义。所有这些都为制图增添了自然精神，给观赏者留下弥久的印象。
ARTLESS的作品往往是单色的，黑色通常是主打色。川上俊说：“当我用水墨创造平面图的时候，我总想表达非实质性但意义深远的理念，例如各种感觉和风。我意识到就我个人而言我只能通过使用水墨这一技法实现我的目标。Gen Miyamura先生是日本一名杰出的书法家，一直是我创造道路上珍贵的伙伴。”
川上俊即将开始新的探索，涉及水墨的运用，其灵感来自“kachofugetu”，这个词表示花、鸟、风和月亮。在该作品中川上俊表示希望继续探索传统与时代精神的融合并置。
