摘要：2013年，湖南卫视以一档歌唱类明星真人秀节目《我是歌手》点燃荧屏，连续三年推出至第三季，横扫每年该时段节目收视率和市场份额，表现出极强的艺术特质和生命力。本文从节目视角之新、制作水准之高进行分析，探讨同类节目如何能够走入观众内心，受到不同年龄层次观众的喜爱。
关键词：我是歌手；真人秀；创作视角；艺术品质；纪实；悬念
近年来，随着文化传播的全球化发展，真人秀节目从西方走入中国，在我国特有的文化土壤中生根、发芽，取得了出人意料的成果。音乐类型真人秀更以锐不可当的势头成为各大荧屏的新宠。湖南卫视刚刚落下帷幕的明星歌唱类真人秀节目《我是歌手》历经三季，掀起一轮又一轮的收视热潮，受到了极高的关注。在国内电视节目同质化的今天，一个节目如何走出自己的新路，从舞台走入观众心中，值得我们研究探讨。
一、节目创作视角的转变
创作过程中，视角的转变能够给一个原本平淡无趣节目“破题”，带来新意。《我是歌手》最后的总决赛，主持人汪涵以一段精彩沉稳的“救场”力挽狂澜，成为观众心目中的“冠军”。值得关注的是，汪涵在话语中反复强调的一个重要的元素是：观众。这说明，观众不再是过去简单的信息接收者，而是越来越注重参与感、发言权的“衣食父母”；观众虽是百姓，但也有自己的“明星梦”，也有对艺术的见解和追求。
（1）“导师”变“选手”。过去明星作为一种特殊符号，一直成为草根人物心中的“评审”“导师”，一些节目通过明星的麻辣点评和刻意炒作来吸引眼球，而使参赛者和观众承受了一种“受审心理”，久而久之，我们已经对草根发迹产生了疲惫感。与之前一批“草根”选秀类节目不同的是，《我是歌手》将这种关系扭转过来，调整了创作视角，将观众与明星的互动关系变为对等、平视的；更加注重大众艺术审美水平的提升。用一种竞赛的方式，把这些具有专业水准和权威性的艺术家、名人们打回原形，使他们带着刚入行对音乐的执着和对舞台的渴望，进行更加纯粹的、精致的音乐创作。传播学中有“受众即市场”这一观点，这种调整极力迎合了大众的心理诉求，也就长期保持了对节目的热情，实现了共赢。
（2）“观众”变“评委”。一个节目完全由观众来决定专业歌手、明星的去留，这也是《我是歌手》首创的将观众权力最大化体现。在该节目中，专业的词曲作者、乐评人、音乐教授，只是作为一种访谈，辅助人们更好的理解音乐表演本身，并不能左右现场观众的喜恶；现场的500名来自不同年龄层次的大众评审，才是唯一能够决定歌手去留的“评委”。这是电视节目对观众的充分尊重，也强化了“观众在电视传播过程中的‘主人翁’地位，决定了他们具有主动参与的可能性”，拉近了电视与观众的距离，迎合了不同年龄层观众对音乐的不同审美需求。这正是能够取得高收视率的重要保障。
（3）“新手”变“巨星”。一档优秀的“真人秀”节目，不仅是胜在收视率，更应该成为捧红更多角色的“造星工厂”。《我是歌手》播出后，越来越多的新人歌手备受关注，越来越多的“老面孔”重放光彩，越来越多的好歌广为传唱，这也是《我是歌手》的影响力所在。第一季的霸气“黄妈”，第二季的“小天后”邓紫棋，第三季的“清华哥哥”李健都借此舞台展现了超强实力，虏获无数粉丝。《我是歌手》以两回合淘汰制、新晋歌手补位、新人歌手踢馆等新颖的规则，既避免了观众的审美疲劳，又不断将新的收视群体补充进来；既巩固了老歌手的地位，也捧红了新星，兼顾“老中青”三代观众的喜好，融合不同的音乐类型，引发不同观众对音乐的强烈共鸣。
二、节目制作水准的提升
《我是歌手》节目的制作水准，在当下音乐类真人秀节目中堪称佳作。节目坚持“尊重声音”的核心理念，从场内、场外多角度记录了歌手真人秀的“真”，又以一流的音乐、灯光、剪辑体现了这场“秀”，获得广泛认可。
（1）坚持专业化音乐品质。时下越来越多的歌唱类节目变成了一个讲故事、拼综艺的舞台，过重的娱乐气息使得好音乐并不能在一个节目中凸显出来。唱歌是一项没有门槛的艺术，随着全民选秀掀起的浪潮，不可避免的出现了节目媚俗化、同质化。《我是歌手》坚持了歌唱类真人秀节目的艺术鉴赏性，在选手、选曲、现场表演各个环节都强调了音乐的返璞归真。现场邀请了国内外超一流的音乐总监和演奏团队，配备先进的音响设备，现场伴奏加竞演歌手的演绎从根本上保证了音乐的原汁原味；比赛规则要求除第一场可以演唱自己的歌曲外，其他歌曲必须是翻唱，促进了选手在编曲创作和演唱形式上推陈出新；每一首歌曲演唱前和演唱后歌手都不能与观众有任何互动，只能通过音乐进行最直接的交流，以不同的歌曲和情绪抵达观众内心深处，以声动人、以情动人；现场除了绚烂的登场出口和多变的灯光色彩之外不再增加任何道具、布景，也是竭尽全力确保现场的音乐魅力，让观众聆听音乐的品质。
（2）坚持全角度拍摄纪实。电视为视听媒体，需要通过视听语言来完成叙事表达。视听刺激的合理安排，镜头和音乐的巧妙结合，方可吸引受众的注意力。《我是歌手》充分运用了视听语言，借鉴纪录片的纪实手法，对歌手生活中、彩排中、幕后候场进行了全方位、多角度的记录，把艺术表演同真实记录的融合发挥到极致。节目用近40台摄像机作为观众的眼睛，用各个环节超密度的“神剪辑”拓展观众的视野，让观众看到了他们最真实的情绪反应，近距离接触到明星们台前幕后的生活点滴，言行举止。它打破了以往选秀节目单一的叙事模式，使用平行蒙太奇画面使观众能够同时看到7位歌手的实时动态，使观众窥探明星内心，对人物的命运、情歌、追求感同身受，产生了极强的带入感，进一步体现出真人秀在既定的规则和情境下，流露出真实的内心世界。
（3）坚持生动的叙事表达。一个电视节目要吸引观众，最重要的就是要学会“讲故事”。《我是歌手》成功之处就在于他将一个又一个的精彩故事叠加。一个选手从前期筹备到演出结束、赛后采访，是一个故事段落，七个选手被贴上不同的标签，在录制过程中代表着不同的故事；一首歌曲从选曲初衷、改编方向、现场观众的反馈，也是一个故事，那么一场比赛近十首歌都在表达不同的故事。另外，歌手之间的探讨互动、与经纪人交流片段、歌手“内投”结果，也是节目的叙事部分。而“故事”中最吸引人的部分是悬念的设置。《我是歌手》通过赛制规则不断制造悬念：这一期会淘汰谁？下一期谁会补位？返场演出选手唱什么？这些悬念都引起了观众持续关注的期待心理和带入感极强的紧张心情。观众全权决定歌手去留，并把心理预期与最终结果进行对照，既牢固的锁定了观众的注意力，也进一步增加了故事结局的变数，这本身就是最大的悬念。每次公布排名时配合语言节奏、歌手表情局部特写，更将悬念性放大到极致。正因此，整个节目被赋予了引人入胜的戏剧性。
目前国内的真人秀节目处于爆发型增长，印证了电视的发展规律：某种节目模式取得巨大成功后，各大卫视就会蜂拥而上，导致同类型节目达到饱和状态，观众再无新鲜感。《我是歌手》是对“舶来品”本土化运作的成功案例，它既褪去了娱乐节目的浮躁，也进行了新的创造与融合。歌唱类真人秀节目应该如何推陈出新，如何做出精品，值得我们深入探讨和学习。
