力度是钢琴演奏中音强的表达依据，演奏者准确把握力度，可以更好地传递作品内涵。从简单的角度来看，声音的强弱、音量的大小就是力度。从听觉上来说强、弱具有相对性，相对性的力度概念决定了在钢琴演奏时音的力度呈现有高低起伏，但没有绝对音强。在本章中，所谈到的力度是指本人对作品力度标记及其处理的看法，且深感到力度对于作品表现力的重要性，唯有深入挖掘和思考力度内涵，方可更好地驾驭钢琴力度去展示音乐之美。
一、力度强弱问题的存在和认识
（一）关于强奏
强f，指的是强大并且有足够的力量，通常运用在钢琴作品的高潮部分，同样的强奏标记在各作品中呈现的音强是不尽相同的，需要根据作曲家的创作意图来演奏。例如李斯特《匈牙利狂想曲》第11首，这是一首气势磅礴的作品，需要用特别强的力度去表现，如果在力度上表达不到位，那作品应有的强大感染力就会缺失。比如，末尾的高潮段双手都是七和弦连续进行，力度需要从腰部及全身发出，形成手指和身体相互作用的一种关系，正确发力之后整个人是靠全身带来的力量反弹跳起来。
强奏时，除了正确的发力方式外，还要顾及到作品中强与整体音乐环境的匹配和适应。sf就是极强的音概念其实是错误的，首先要给出强的范围值，在这一力度范围值内作出变化。在旋律安静的作品中，sf的弹奏一定要考虑与作品气质相符。如默克尔的《蝴蝶》（参看谱例1），总体上是偏轻快风格，尤如夏日的蝴蝶翩翩起舞，在谱例的第2小节出现了sf标识，描绘的是人们与蝴蝶嬉闹的场景。虽是突强记号，但触键的一霎那，只能靠指尖用力弹下去，不然会影响作品的整体美感。
（二）关于弱奏
弱p，指的是弱奏，演奏音量较小的意思。通常出现在作品中抒情安静的乐章。弱奏相对于强奏来说，演奏难度其实更大，是判断演奏优劣的依据之一。力度标记P也是一个相对概念，演奏时也要顾及整体作品的氛围与风格。弱奏最关键的就是对音點的把控，讲究的是手臂各条肌肉、指尖对琴键的控制能力。如拉赫玛尼诺夫《意大利波尔卡》中（参看谱例2），作品整体速度很快，连续的十六分音符用pp的力度演奏，非常锻炼手的控制能力。
二、各个音乐时期作品的演奏力度把握
各历史时期由于钢琴演化和时代风格的不同，对力度的诠释是有差异的，尤其是钢琴制造的进步对音色和音质的影响。随着钢琴制造技艺的进步，音色越发丰富，力度幅度不断增强，作品的艺术感染力也越发多彩。正确了解不同时代的音乐风格及对力度的理解和表现，对演绎作品是至关重要的。
（一）巴洛克时期
巴洛克时期的音乐家们一般使用的是古钢琴，古钢琴声音比较弱且音色偏暗。受乐器制造技术水平的制约，古钢琴作品很难表现出力度的对比与变化。所以当时的作品一般采用快速、音流延绵不断和装饰音等手法来进行创作。如今，当我们用现代钢琴来演奏巴洛克时期的作品时，就要控制力度来演奏出古钢琴的感觉。
例如巴赫，他处于一个受宗教影响的时代，巴赫结合了宗教与启蒙思想、结构与旋律性，使得作品节奏平稳，采用阶梯式力度的演奏方式。但对于慢速和快速的曲子，力度的把控又是不同的。例如他的的《十二平均律》（参考谱例3），是快速的旋律走向，就需要用指尖发力进行非连奏或者是断奏来演奏出击弦钢琴清脆的效果。
又如巴赫的《抒情曲》，该作品是慢速旋律走向的具有歌唱性风格。弹奏时要使力量从肩部传递到指尖，放低手腕，通过指尖贴着琴键来演奏出圆润的音色。
巴洛克主义时期的音乐因为受当时钢琴制造的约束，音色较暗，不能弹奏出明显的强弱变化，而用现代钢琴弹奏古钢琴作品时，同样要表现出那个时代所具有的音乐特点，就要平稳严谨的演奏。
（二）古典主义时期
随着钢琴制作工艺的不断改良，古钢琴慢慢退出历史，取而代之的是顶上式和跳上式的击弦机。这种击弦机制成的钢琴触键较大也更轻快，琴声明亮柔和，颗粒性强，音色与拨弦古钢琴类似。这一时期的音乐风格也有巨大的变化，复调音乐逐渐被主调音乐所取代，更加注重个人情感的抒发。古典主义前期（以海顿和莫扎特为代表）的钢琴音乐具有典雅精巧、细腻抒情的室内乐风格，仍携带着一点巴洛克晚期风格的痕迹。①在海顿的钢琴曲中，力度记号很少见，只是偶尔能看到p和f； 在莫扎特的钢琴曲中，力度符号的使用已经很频繁了，在很多的音乐作品中都可以看到ff以及pp的标识，力度强弱对比不断增强。贝多芬对力度的运用就更丰富多样了，他的钢琴曲中力度标识非常多，像sfsfp这些力度标识，还有很多ff往往紧接在pp的后面都经常出现，甚至还出现ppp与fff这样更为突出的强弱对比，正是这些强弱力度的对比增强了贝多芬音乐的戏剧性。如贝多芬《悲怆奏鸣曲》（参看谱例4）第一乐章里，同一材料用了几种不同的力度来表现。第五小节的引子部分，p要突然进入，后面的ff和p的交替出现要对比明显，慢慢推进直到占领主题的高度，达到一种紧张的状态，第九小节的sfp弹奏时要有分寸感，整个引子都充满了古希腊式的悲剧气氛和对命运的愤慨之情，使听者热血沸腾。由此可以看出，古典主义时期的音乐家已经把音乐表现力度与作品情感表达结合在了一起，并使这种强弱的对比变化成为表达作品情感的有效手段。
钢琴的演进和文化风尚的转变影响力度运用和情绪表达。莫扎特正处于宫廷艺术和市民艺术的交替时期，所以他的音乐还带有典雅的宫廷气息，追求明快自然有节制的音色，力度也一般控制在f和p之间。在贝多芬时代，宫廷遗风已荡然无存，摆脱了宫廷的束缚，可以根据自己的意愿任意创作，强调主观感情的表达，将全人类以及社会的情感提升到了前所未有的高度，所以在贝多芬的作品中，力度标记不仅数量多，且对比幅度大，具有极端化的力度对比。
（三）浪漫主义时期
十九世纪的钢琴在制造工艺上有了革命性的突破，支撑琴弦的支架由木质改为整块铸铁的框架，使琴弦拉长拉紧，不会出现走音的情况。音域也由四组半扩展到了七个半八度，表现力的丰富使其成为众多乐器中的王者。由于钢琴制造和音乐风格的变化，浪漫主义时期的钢琴作品在力度表现上更是突破传统，不断大胆创新。这一时期，极具代表的音乐家就是肖邦和李斯特。肖邦的钢琴曲走柔和路线，风格较忧郁凝重，当弹奏力度在极强与极弱中变换时，他更加追求力度的强弱变化所带来的层次感。尤其是在他的夜曲系列中，肖邦更是采用了极弱的表现手法对钢琴音色加以修饰，为音乐作品增添了一抹阴柔的色彩。而李斯特的音乐作品大多是大气磅礴并有着交响乐队般的效果，在力度表现方面也是气势恢宏，尤其是他的一些高级练习曲，力度的强弱对比更是炫技的重点。例如李斯特的代表作《钟》（参看谱例5），该作品体现了钢琴演奏技巧与音乐力度完美的结合。前奏中就说明了对力度的把控，开头左右手的八度，在弹奏的力度上要有不同，体会到的是钟声在耳边回荡的感觉。之后的大跳部分每个八度力度需要均匀弹奏，手指要靠手腕和手掌的放松带动来演奏出这音色。力度的完美呈现需要技巧和对作品和时代风格的了解。
（四）印象主义时期
19世纪末期，法国作曲家德彪西开创了印象主义乐派，同时也开启了钢琴的新时代。印象主义乐派钢琴作品的声音和力度主要在弱的范围内变化。德彪西所代表的印象时期，提升了音乐的旋律特质，丰富了听觉感官的同时也对西方音乐进行了拓展。音乐的印象派来源于绘画，所以印象主义音乐往往看重音响、画面以及现场气氛等因素，而音乐演奏过程中的力度强弱变化就是构成音乐画面的主要内容。印象主义音乐中力度变化细腻而丰富且都在渐进过程中展开。在这个时期，强不会一直在乐曲中持续，而是根据音乐情境的需要，适时出现与停止。德彪西的创作与众不同，既浪漫自由又有点任性。在他的作品谱面上有清晰的力度演奏要求，但沒有指法和踏板标记。演奏者只能按照他所描绘的画面，自己处理指法和力度。如在作品《月光》（参看谱例6）中，若不事先了解创作由来和描绘的意境，在弹奏八度音时往往会弹得很厚实，音量出来很呆板。这段音乐描绘的是一种月光浮动的柔美画面，音质弱但不能虚，要用指尖抓住琴键把上方主旋律的音演奏出来。
三、结语
20世纪下半叶，现代音乐的发展更是让以往钢琴曲的创作被不断超越，打击乐的崛起与盛行，使其力度的强弱对比成为现代钢琴曲的主流元素，pppppp到fffff这种力度的变化范围将钢琴音乐的表演魅力发挥得淋漓尽致，从而丰富了钢琴的表现力。
钢琴演奏者仅有扎实的基础去控制演奏的力度还是不够的，在演奏时，仍需要深入理解音乐作品的内涵与每个时期风格，对作品进行更为细致的了解和处理，将作曲家的情感转变成自己对作品的独特理解，才能完美的演绎钢琴音乐作品。
